Es poca la información disponible que se tiene acerca de este gran artista colombiano, sólo que es nacido el 28 de junio de 1939 en Montelíbano, departamento de Córdoba. Y que su producción musical es vasta, sobresaliendo en la interpretación de cumbias.
Es considerado un maestro y un gran ejecutante con acordeón de la auténtica cumbia colombiana, disfrute este gran éxito.
Esperando a Patricia - Plutarco Urrutia y su Conjunto
P.D. Si usted tiene información adicional o alguna correción agradezco nos la comparta.
Un bolero que escuchaba en mi adolescencia y que a la postre es uno de los grandes éxitos de la música tropical colombiana, es éste, de Chico Cervantes, grabado por Los Corraleros de Majagual en 1968 y con las voces de Eliseo Herrera y del propio Chico Cervantes en su interpretación.
Las reminiscencias de esta grata época de mi vida están asociadas con este tipo de música en particular (con sabor corralero) y hoy me basta con sólo cerrar los ojos para transportarme en el tiempo y disfrutar la sencillez de su ritmo. Espero que también usted lo disfrute.
Es Antonio María Romeu una legítima gloria de Cuba, y su sensible fallecimiento en el año 1955 produjo una pérdida irreparable para la música cubana, aunque sus obras y su nombre han perdurado muy vigentes hasta nuestros días.
Antonio María Romeu nació en Jibacoa el 11 de septiembre de 1876. Sus primeros estudios los realiza con el maestro Joaquín Martínez en su pueblo natal, los que abandona al producirse la guerra en los campos de Cuba, que dio origen a la independencia cubana.
Fecundo compositor, llegó a escribir cerca de 1500 danzones, y aunque muchos son desconocidos en la actualidad, de esta producción salieron obras inmortales como "Tres lindas cubanas", "Ay... que me vengo cayendo", "La chambelona", "El barbero de Sevilla", "La flauta mágica", "El ferrocarril central", y decenas de otros danzones que, aún hoy, siguen gozando de la preferencia del público.
A los 12 años, Romeu dio a conocer una mazurca, y poco tiempo después se trasladó para La Habana. Pronto es contratado por el Café "La Diana", que estaba situado en las calles de Reina y Aguila, donde debuta el 22 de enero de 1899. El nombre de Antonio María Romeu comienza de inmediato a expanderse, con el comentario de los parroquianos que decían: "Hay un bizco en La Diana que es un mago en las teclas interpretando danzones". Su primera actuación con orquesta lo fue con La Charanga del Maestro Leopoldo Cervantes, donde tocó el piano. Esta orquesta conocida en aquella época como "Orquesta Francesa", estaba formada por violín, flauta, contrabajo, timbal y güiro. De ahí nació la orquesta típica de danzones hoy en día conocida mundialmente. Revisando los datos de este insigne maestro nos encontramos que Romeu solamente componía danzones; a diferencia de otros compositores, él le dedicó toda su alma a este género musical que lo obsesionaba. Romeu fue artista de la etiqueta Víctor. Sus grabaciones de danzones obtuvieron medallas de oro en Sevilla y Philadelphia.
Hubo una época, cuenta Romeu, que el danzón era repelente para el público, no gustaba, porque era muy cansón. Romeu fue contratado para tocar un danzón a las 12 de la noche en un Club. En cuanto comenzó con los primeros compases el público se fue alejando del salón y se concentró en el buffet. Sorprendido, inquirió de los amigos qué pasaba y fue informado que esa era la única forma de llevar al público fuera del salón de baile, pues el danzón no encajaba en el gusto del bailador. Romeu comenzó entonces a escribir danzones con la música del son, para que el público pudiera cantar, y poco a poco este género fue adquiriendo adeptos. No hay duda, decía Romeu a sus amigos "lo salvamos, más que del olvido, del desprecio".
El solo de piano en el danzón surgió en forma improvisada. Él se había comprometido con el Club Unión Fraternal de estrenar un nuevo danzón en sus salones, y llegado el día aún no había hecho ni un compás. Comenzó el baile, y en los intermedios aprovechaba para ir escribiendo la primera y la segunda parte. "Le indiqué a los músicos que terminada la primera parte pararan, y entonces yo comenzaría un intermedio de solo de piano". Esta novedad reunió a todos los bailadores junto al piano. Desde esa fecha el danzón tuvo su solo de piano.
El danzón que estrenara esa noche, "Tres lindas cubanas (Linda cubana)", fue uno de los que más renombre dio a Antonio María Romeu. Fuente: por Raoul Aguilar, en la portada trasera del disco Antonio María Romeu - Tres lindas cubanas.
Tres lindas cubanas (Linda cubana) - Antonio María Romeu
María Grever es una de las mujeres más extraordinarias e increíbles en la historia musical de México, fue una predestinada.
Durante un viaje que efectuaba, en un navío español, el matrimonio formado por Francisco de la Portilla y Julia Torres Palomar, el 16 de agosto de 1884, vio la luz primera en altamar una niña que llegó a ser la compositora más grande de América. Días después fue registrada en Lagos de Moreno, Jalisco, como María Joaquina de la Portilla y Torres; su padre era andaluz y su madre tapatía.
María compuso su primera obra musical a los nueve años, un villancico de navidad que hasta la actualidad se canta en España.
La artista se educó en México, España, Francia y otros países Europeos. Estudió piano con Claude Debussy y Franz Lehar y cantó con diversos profesores del viejo continente. Se afirma que su voz era bella y se parecía en color a la de la gran soprano María Barrientos, sin embargo sólo cantó en reuniones y veladas musicales particulares o familiares.
En 1916 contrajo matrimonio con León Grever, tiempo después María se quedó sola al irse a Europa su marido. Entonces empezó a componer sus bellas obras musicales.
Poco después el actor y tenor José Mojica empezó a cantar y grabar las canciones de María, destacando "Júrame", de manera tal que en poco tiempo se popularizó.
Así, con las interpretaciones de José Mojica, Juan Arvizu y Alfonso Ortiz Tirado, las canciones de María Grever empezaron a ser oídas en todos los continentes.
No existe quien al escuchar las canciones de María Grever, no haya sentido cierta asociación con algún momento de su vida. Algunos de los títulos de sus canciones son: "Alma mía", "Así", "Volveré", "Altiva", "Ola", "Cuando vuelva a tu lado", "Te quiero, dijiste", "Tú, tú y tú", "Por si no te vuelvo a ver", "Lamento gitano", "Qué dirás de mí", "Cobarde", "Bésame", "Labios rojos", "Tipi-ti-pi-tín" -que fue considerada por la Comisión de Compositores de Estados Unidos, como la canción más popular del mundo-, "Júrame", la plegaria a "La Virgen de Guadalupe" y la casi desconocida "Despedida", bellísima como todas sus más de 2000 composiciones (de las que publicó 873).
Desde 1920 María Grever musicalizó películas para la Paramount. En 1941 hizo arreglos de la obra musical "Viva O'Brien", estrenada en Broadway. En 1949 retornó a México y recibió la Medalla al Mérito Civil y presentó una serie de programas radiofónicos en la KEW, donde dirigió una orquesta de sesenta profesores. Luego retornó a Nueva York al lado de su hja, hijo y nietos; allá falleció el 15 de diciembre de 1951.
Cumpliendo su deseo, sus restos fueron traídos a México para ser sepultados.
Fuente: Tomado de Voces y Autores Mexicanos Inmortales Vol. I (1987), por Edmundo Arvizu en el disco María Grever: Sus Intérpretes.
Enseguida una selección de versiones instrumentales de algunos de sus grandes éxitos.
Te quiero, dijiste - Orquesta Latino Americana / Cuando vuelva a tu lado - Los Diplomáticos / Júrame - Orquesta Típica Tovar
El origen de este famoso grito, parte de la identidad del mundo del danzón, es atribuido
al cubano Tiburcio Hernández, Babuco.
Babuco, sastre de oficio, llegó a México como parte integrante de la banda de un circo, donde él tocaba los timbales. Hasta ese momento, quien se los cargaba era Acerina.
Para la inauguración del Salón México, Babuco fue traído de Veracruz -pues ya tenía su danzonera-, y junto con él llegó su grito de "¡Hey, familia...!". Este grito fue posteriormente tomado por el Chato, maestro de ceremonias del Marro -así conocido también el Salón México-, quien lo dedicaba a sus amigos o a las personalidades que se encontraban presentes: "¡Hey, familia, danzón dedicado al Kid Azteca y amigos que lo acompañan!".
Acerina, siendo muy joven fungía en este grupo como «secre» -llevando instrumentos y papeleta- y, con certeza, haciendo pininos con los timbales.
Puede decirse que la «primera danzonera» mexicana fue precisamente la de Babuco, que Intervino en los años veinte en la inauguración del Salón México y también llegó a tocar en el Salón Colonia, El Pirata y El Azteca. Fuente: Gonzalo Martré, en Rumberos de ayer, músicos cubanos en México (1930 - 1950).
Afirma el escritor Guillermo Carbó Ronderos que en Colombia hay diversidad de manifestaciones culturales de origen popular, que son acompañadas con música y claro está con bailadores que sobresalen en cada pueblo; y todo esto cobra un protagonismo e importancia en la difusión de la cultura de la región.
Guillermo Carbó Ronderos
La Tambora hace parte de los bailes cantados más conocidos, como también lo son el bullerengue. el fandango, el lumbalú y el chandé, ritmos que aún se conservan en los pueblos del Medio y Bajo Magdalena; en la zona limítrofe de los departamentos del Magdalena, César y Bolívar, sobretodo en los pueblos de Altos del Rosario, Hatillo de Loba, San Martín de Loba y Tamalameque.
En 2003 Producciones "Tambora – YAI Records" de Bogotá lanzó al mercado un CD con grabaciones efectuadas entre 1990 y 1996 en un contexto de cómo se ha venido practicando este ritmo por más de cien años y que hace parte de la tradición ancestral del territorio antes mencionado y que puede ser ejecutado en cualquier parte del pueblo y con mas frecuencia en la época festiva de Diciembre.
Para idealizar un poco, la orquesta de tambora, se compone de una voz solista (cantador ó cantadora), un coro mixto y generalmente dos instrumentos de percusión tambora y currulao (tambor) acompañados con las palmas de las manos y en algunos casos de tablitas y el guache.
Es oportuno recordar que una de las mejores exponentes de este género es la famosa cultora y cantadora Totó la Momposina, quien ha sido embajadora musical colombiana por todo el mundo, especialmente en Europa.
Este trabajo tiene un contenido muy tradicional y trae plasmados 19 temas que fueron recogidos en su más viva y vibrante manifestación. Los temas tienen una duración total de 62 minutos y son los siguientes: La candela viva, Chico le vino, La salamanca, Águilas del monte, Cuba´e, La Magdalena, Tres golpes, La tanga gaviota, Compae Miguel, Si Juana viniere, Olé Juanita, La guerra patriota, A pilá el arroz, Rescate del Magdalena, Emiliano , Naranjas y limas, Sapo , Corocito, y La negra Juana.
Los diecinueve ejemplos que incluye la grabación, seleccionados entre los numerosos registros tomados en la zona, dan cuenta de la vitalidad y de las sutileza propias de cada una de la modalidades en que se ejecuta la tambora. Con un ingrediente adicional: la presencia inquisidora del equipo de grabación no ha restringido la expresión festiva que comunican los participantes. Hay allí una sincera alegría que, de inmediato, contagia al oyente. Entre todo ello destaca la entonación resuelta y llamativa de Venancia Barriosnuevo, de la población de El Contento (murió en 1995). Su capacidad de improvisación y la crudeza de su estilo logran recuperar para el oyente la esencia de la expresión musical comunitaria. El repertorio seleccionado por Carbó incluye piezas conocidas en versiones más urbanas, como con La candela viva, Tres golpes o Sapo, que es un berroche. El resto del repertorio se asimila a la tradición regional menos difundida fuera de la zona, dentro del cual llama la atención el texto y el espíritu de las letras. La mayoría de ellas delatan la picardía caribeña ("Cuando supe la noticia / que tú ya no me querías / hasta el perro de mi casa / me miraba y se reía"), los sin sabores del amor ("Con un puñal en el pecho / supe lo que era el dolor / y contigo entre mis brazos / supe lo que era el amor"), o el entorno social ("En el patio de mi casa / tengo un palo de limón / por delante buena cara / por detrás murmuración"). No faltan en esas letras gestos de sensibilidad poética ("Alondra que vas volando / recorriendo to' el espacio / con tu pico recogiendo / el rocío nacarado") y hasta un inesperado apunte de intención nacionalista ("La guerra patriota, la guerra patriota / que muera Napoleón / que viva la independencia / la justicia y la razón"). O la reciente defensa del trabajo campesino ("Que viva el río Magdalena / Que viva la producción / que viva la agricultura [que siembra el agricultor]").
Algunos de los cantadores y cantadoras cuyas voces repite el registro fonográfico fallecieron antes de la publicación del disco. Su presencia virtual es un factor que valora aún más el resultado de la investigación, de la cual el compositor barranquillero Guillermo Carbó Ronderos ha decantado ideas para su propio trabajo.
La carátula nos muestra una pintura alegórica al desenvolvimiento y jolgorio de la ejecución de este baile. Este trabajo sin dudas está dirigido para coleccionistas y expositores del folclor ribereño, pero merece ser más conocido. Disfrútelo. Fuente: Internet.
En las fincas cafetaleras del Soconusco, hacia 1890 las fiestas se hacían con marimbas de Guatemala. En Tapachula aparecen los primeros marimbistas de los cuales seguramente el más antiguo fue Matilde Feliciano quien compartía su musical actividad con la Marimba Torres, con la de Jenaro Pacheco, la de Erasmo Ramírez y posteriormente aparecen las marimbas de Esteban Lavariega, Humberto Guzmán, Conrado Garibay y la de Los hermanos Solís.
A principios de 1900 hubo aquí una marimba muy especial y tal vez la que más se acercaba a la marimba africana original: Se le conocía como La Marimba Más Que Sella, porque cuando se trataba de organizar un baile o una fiesta y no encontraban ningún otro conjunto marimbìstico, se resignaban a recurrir a la marimba más que sella, es decir, aunque sea esa...
En la costa de Chiapas hubo marimbas excelentes y de reconocido prestigio, sobre todo en Tonalá, Arriaga y Huixtla.
En Tonalá, fueron famosos Los hamaqueros, marimbistas por afición y hacedores de hamacas de profesión y La virreinal del maestro Tejeda. En Huixtla llena toda una época la marimba El alma de Huixtla del maestro Emigdio de Aquino, rival de la marimba de Los Chatos y muchas veces hubo reñidos mano a mano entre ambos conjuntos marimbísticos, tanto en Tapachula como en Huixtla. En Escuintla El alma de Escuintla del maestro Rodolfo Ochoa, en Pueblo Nuevo Comaltitlán fueron famosas la marimba de "Peinado", apodo del maestro Gustavo Jiménez Chanona, y la de "Don Chepe" del maestro José Álvarez Lorenzana, y aún se deleita Tapachula con las marimbas La Perla del maestro Danilo Gutiérrez, la de Los hermanos Rosales y El Eco de La Corona de Víctor Betanzos.
La tradición de la marimba en Tapachula la conservan las pequeñas marimbas callejeras, que se escuchan a toda hora en la zona centro de la ciudad y en cualquier colonia, a estas marimbas el ingenio popular las ha bautizado como “sobaqueras”, por aquello de su tamaño, que dicen que se pueden cargar debajo de la axila.
Pero la marimba más famosa en Tapachula fue la de Gregorio "El Chato" Ortiz.
Nació el 14 de agosto de 1894 en la ciudad de Tapachula, Chiapas. Fue hijo de los señores Melesio Ortiz Rosales y Virginia Ortiz, originarios de Oaxaca. El joven Gregorio a quien desde niño le decían cariñosamente chato, se enamoró de la música escuchando a su hermano Patrocinio "El Pichi", que era un consumado músico ya que interpretaba con maestría la marimba; por lo que desde la edad de 10 años empezó a tocar la marimba, subido en un banquito ya que no alcanzaba bien el teclado. Cuando ya tenía 20 años de edad formó su propio conjunto musical para lo cual invitó a otros marimbistas ya conocidos en Tapachula que fueron su hermano Patrocinio, Eusebio Torres, Melquíades Flores y Raúl López. Así nació en 1914 la marimba de Los Chatos, donde el único y verdadero chato era Goyo y fue su hermano Patrocinio quien se encargó de la dirección de este conjunto.
La marimba de “Los Chatos” fue además la primera marimba de Tapachula que interpretó música clásica y semi-clásica.
En 1920 asistió a la ciudad de México para amenizar la toma de posesión del Presidente de la República Gral. Álvaro Obregón y en esa ocasión dio una serie de audiciones y por algún tiempo se quedaron en la capital contratados para tocar en el famoso centro nocturno Salón México. Posteriormente, nuevamente se presentan en Palacio Nacional para actuar ante el Presidente Gral. Plutarco Elías Calles y en varias ocasiones son invitados a la ciudad de México para amenizar las festividades de la Presidencia de la República en los años de 1924-1928.
La marimba de Los Chatos amenizaba las funciones del extinto cine Figueroa. En el interior del teatro ejecutaba la música para las películas cuando el cine era mudo; melodías como Guillermo Tell, Rapsodia Húngara 1 y 2; Poeta y Campesino, Caballería Ligera, Club Verde, Las Bodas de Luis Alonso, etc.
Hacia 1924 pasaron por Tapachula los integrantes de la marimba guatemalteca Hermanos Hurtado quienes se dirigían a los Estados Unidos en gira artística y tuvieron la oportunidad de escuchar tocar al maestro "Chato" Ortiz. Impresionados por su habilidad y gran categoría de ejecución, lo invitaron a que los acompañara en esta gira, "El Chato" aceptó la invitación y firmó un contrato con este conjunto guatemalteco.
A partir de 1941 fueron integrantes del conjunto los maestros Wenceslao Labias, David Hurtado, Silvestre Ramírez y Rafael López García, autor de la primorosa canción, himno simbólico de esta Perla del Soconusco, intitulada Tapachula, la cual se estrenó el 28 de agosto de año 1941.
El 4 de noviembre de 1943 pasó por Tapachula rumbo a Sudamérica el Director de la Orquesta Sinfónica de Filadelfia, el Ruso-Norteamericano Leopoldo Stokowsky. Allí se enteró que en esta ciudad existía un conjunto marimbístico de calidad y le llevaron la marimba de Los Hermanos Ortiz que tocaron con inspiración y maestrías, no solamente música popular sino también varias oberturas y sonatas, con lo cual impresionó al director visitante de tal manera que este introdujo la marimba como un instrumento más en la Orquesta Sinfónica de Filadelfia.
En 1974 el H. Ayuntamiento presidido por don Ricardo Naumann Escobar y por instancias de los periódicos Diario del Sur y Lunes Gráfico, rinden homenaje al conjunto Los Chatos por cumplir 60 años de vida musical, otorgándoles una presea de oro y un pergamino.
El 27 de Junio de 1977 a los 83 años de edad muere el maestro Gregorio "El Chato" Ortiz.
Finalmente, en 1992 por nstrucciones del Presidente Municipal Lic. Norberto De Gyves Córdova se creó el conjunto marimbístico municipal. Fuente: Presencia de la marimba en el Soconusco, por José Galdámez Rivera, publicación en internet.
Este danzón es del maestro comiteco Esteban Alfonzo García, reconocido también por ser el autor del inmortal "No debió de morir" - o "Juárez"-, según muchos el más famoso de los danzones mexicanos.
Como anécdota relacionada con su nombre, este danzón fue concebido por el autor durante una crisis febril ocasionada por un paludismo que padeció durante su estancia en Tuxtla Gutiérrez. Disfrútelo.
Esta es la música colombiana con el verdadero formato que es pregón del pueblo, como suena y se baila en ciudades, poblaciones y veredas. Esta es una estampa terrígena con sabor candeloso, ardiente, sensual, juguetón y festivo como ninguno.
Disfrute de tanta alegría rítmica como si asistiera a las típicas "cumbiambas" costeñas de las ardientes y embrujadoras playas colombianas sobre el Mar Caribe, donde hasta las palmeras cantan y bailan con la elegancia de su estatura y con el estímulo de las olas espumosas del Caribe.
Linda Marta ''La chicharrita del café'' - Cantina y su Combo
Más conocida como "La chicharrita del café", "Linda Marta" es un gran éxito de la música tropical colombiana que es interpretado por Oswaldo Alarcón Gómez, que nadie lo conoce por este nombre sino por el de "El Negro Cantina", al parecer -si me equivoco me corrigen- oriundo de Santa Marta.
Una de sus particularidades es la utilización de la "hojita" en la interpretación de su melodía, tratándose en este caso de hojita de naranjo. Es un tema clásico, disfrútelo.
Aquí la información del uso de la "hojita" como instrumento musical.
Finalizaba la década de los años sesentas cuando en la colonia Morelos del Puerto de Acapulco, Guerrero, un grupo de inquietos jóvenes formaron un conjunto musical -así se le llamaba en aquellos tiempos-, influenciados por los diversos ritmos que llegaban al puerto, desde varias partes de Latinoamérica. Fueron semanas y meses enteros de planear y ensayar.
Es en el año de 1970 cuando por fin su sueño se ve cristalizado y nace "El Conjunto Acapulco Tropical", iniciando con un ritmo parecido a la llamada "chunchaca", que viene siendo una variante de la Cumbia Colombiana Tradicional, con arreglos y ejecuciones básicas y que tiene un ritmo muy contagioso.
El "Acapulco Tropical" estuvo entonces integrado por: Walter Torres (primera voz, compositor y tumbas), Lauro Navarrete (bajo, compositor y segunda voz), Miguel Ramírez (requinto y tercera voz), Alberto Montalvo (acordeón), Elder Torres (timbales) y Margarito García (güiro).
A pesar de que ya tenían trabajo en el puerto amenizando eventos privados y en bares y restaurantes, la ambición de estos músicos acapulqueños era tal que decidieron aventurarse y viajar a la Ciudad de México.
Graban su primer disco para la RCA-Víctor
Aconsejados por algunos amigos, se presentaron en la compañía "RCA-Víctor" en la Ciudad de México, para realizar una audiencia, con el objetivo de grabar un disco; sin embargo, los ejecutivos que los escucharon, argumentaron que ese gupo acapulqueño no tenía un sonido atractivo, por consiguiente no le veían ninguna expectativa comercial.
Con muchas ilusiones, pero con poco dinero en la bolsa, y eso sí, con mucha sed de triunfo, el grupo solicitó una nueva prueba de audición en la empresa "RCA-Víctor"; sin embargo, el entonces director del departamento de "Productos Especiales" les sugirió grabar un disco de manera independiente, vendiéndolos en sus presentaciones para poder así recuperar el dinero invertido en la grabación y obtener una ganancia extra.
El "Acapulco Tropical" tomó el consejo de dicho ejecutivo, invirtiendo casi en su totalidad el dinero ganado en sus presentaciones. Así llegó la primera grabación, hecha de manera independiente, que consistió en un tiraje de mil copias, mismo que se llevaron a Acapulco y comenzaron a venderlo en sus presentaciones.
Fue tal el éxito de dicho acetato que, al mes, regresaron a la Ciudad de México por otro tiraje de mil copias, y a los dos meses solicitaron un tercer tiraje de su grabación. Antes de que pasara otro mes, ya estaban pidiendo un tiraje más de su disco.
Los ejecutivos de la compañía disquera al darse cuenta de que esos jóvenes músicos acapulqueños reportaban excelentes ventas de su disco, enviaron a un representante para investigar qué ocurría con ese conjunto musical, encontrándose con la sorprendente noticia de que en la región de Acapulco, el grupo era un éxito total.
Regresaro entonces a la RCA, siendo recibidos por el señor Eduardo Magallanes, quien los volvió a audicionar, convenciendo ahora sí al ejecutivo de esta empresa (que en ese entonces era una de las compañías disqueras más importantes a nivel internacional).
En 1971 "El Conjunto Acapulco Tropical" firmó contrato con la "RCA-Víctor", produciendo su primer LP (elepé -por sus siglas en inglés "Long Play"), el cual contenía temas como "Acapulco Tropical", "Mar y espuma", "Cumbia de mi rancho", "Sabor a durazno" y "La novia fea", entre otros. Esta primera producción para la RCA estuvo a cargo del maestro Pocho Pérez, quien era Director Musical de la RCA, y uno de los que en un principio se opuso rotundamente a la contratación del conjunto, pero ante el éxito comercial de éstos, terminó aceptando ser su productor.
Surge el llamado "Monstruo del Trópico"
A partir de ese momento "El Conjunto Acapulco Tropical" comenzó a probar las mieles del triunfo y se convirtió en uno de los artistas que más discos vendían en aquella época, compitiendo con figuras de aquel entonces como: Rigo Tovar, Xavier Passos, Los Sonorrítmicos, Los Babys y Los Sepultureros, entre otros.
Era tal la aceptación que tenían estos músicos guerrerenses que, en el año de 1973, estuvieron durante seis semanas consecutivas en el entonces programa número uno de variedades en nuestro país, "Siempre en Domingo", conducido por el señor Raúl Velasco. Quedaba demostrado que en ese entonces el "Acapulco Tropical" era el grupo número uno, el grupo del momento.
La popularidad de esta agrupación creció a pasos agigantados, no solo en toda la República Mexicana, en donde les llovían contratos, sino también en algunos países de Centroamérica y toda la parte sur de la Unión Americana.
Comenzaron a realizar giras de trabajo por Estados Unidos, en donde los llamaban "El Grupo del Millón", debido a la gran cantidad de personas que convocaban en sus presentaciones en aquel país, logrando reunir hasta más de 30 mil gentes en un baile, tomando en cuenta que en esa época (los años setentas) no existían locales de baile como en la actualidad.
México no era la excepción y "El Conjunto Acapulco Tropical" abarrotaba los lugares en donde se presentaba. Fue entonces que en nuestro país fue bautizado como "El Monstruo Sagrado del Trópico".
"Recuerdo que en la década de los 70's fue el momento de gloria del Acapulco Tropical; no parábamos de trabajar, andábamos de ciudad en ciudad, entre hoteles, aeropuertos, centrales de autobuses, el grupo era un auténtico fenómeno que arrastraba multitudes. Incluso había ocasiones en que llevábamos varias maletas repletas de dinero (billetes), había ocasiones en que ya no cabían y teníamos que cerrarlas a la fuerza", comentó en cierta ocasión el señor Walter Torres, primera voz y uno de los fundadores principales del grupo, que hasta la fecha sigue con este legado musical.
Causaban tumultos en sus presentaciones
En la Ciudad de México el "Conjunto Acapulco Tropical" tuvo una histórica presentación en el famoso Salón de Baile "California Dancing Club" (de la colonia Portales), ya que no solo abarrotaron el salón, sino que se quedaron miles de personas afuera, ocasionando un gran caos vial. La policía se vio en la necesidad de cerrar la Calzada de Tlalpan, una de las arterias más importantes de la ciudad, que es en donde, hasta la fecha se encuentra aún activo este salón de baile. En aquella ocasión, los servicios de emergencia tampoco se daban abasto en "El Califas", como lo siguen llamando, ya que decenas de jovencitas sufrieron desmayos y crisis nerviosas, no solo por la multitud que abarrotaba el lugar, sino que muchas de ellas por la impresión de tener cerca o ver en vivo a sus ídolos.
Muchas son las anécdotas de esos multitudinarios bailes populares que tiene esta agrupación, que resultaría interminable narrar, quienes en esa exitosa década de los setentas pisaron los más prestigiados foros a nivel nacional e internacional.
Era entonces cuando el "Acapulco Tropical" estaba en su mejor momento. El grupo se cotizó entonces hasta en ¡100 mil pesos!, tocando para un público de hasta 10 mil personas. En ese entonces el mejor grupo pagado en México era "Los Babys", cobrando la cantidad de 30 mil pesos y tocando para unas 5 mil personas. Para entonces el conjunto acapulqueño llegaba a la cúspide de la fama, dejando atrás a la competencia.
A cuatro años de grabar su primer disco y ya con varios éxitos en la radio a nivel internacional, en el año de 1974 graban el tema "Cangrejito playero", que desde entonces se convirtió en hit musical, quedando en el gusto del público, convirtiéndose en un clásico de todos los tiempos: ¿Quién no lo recuerda en el programa de televisión "Pácatelas" conducido por el desaparecido Paco Stanley?, en donde Mario Bezares (co-conductor del programa) lo revivió y convirtió en un fenómeno a nivel internacional.
Cangrejito playero - Conjunto Acapulco Tropical
El grupo grabó un total de 16 Discos de Larga Duración, pero como dicen los que saben "disco que sacaban, disco que les funcionaba", y no solo con un tema, en varias ocasiones fueron casi en su totalidad de canciones incluidas las que sonaban por todas partes. En estas 16 producciones se incluyeron éxitos como: "Mala mujer" (1972), "Cangrejito playero" (1972), "Candela verde" (1973), "Vicky" (1974), "La hojita" (1975) y "Amor perdido" (1978), por mencionar algunas.
Este fenómeno llamado "Acapulco Tropical" hizo que algunos productores del llamado "Séptimo Arte" (el Cine), voltearan a verlos, solicitándoles su participación para algunas películas, que en aquella época las más taquilleras eran las llamadas "películas de ficheras". Una de las más sonadas participaciones del "Conjunto Acapulco Tropical" en el cine fue en la cinta "Noches de Cabaret" (con Lyn May como actriz principal), en donde la agrupación grabó un disco especial para dicha cinta.
En la década de los 80's... comenzó la debacle
Era tanta la popularidad del grupo que, en la década de los 80's, comenzó la debacle. Personas ajenas a la agrupación comenzaron a inmiscuirse en cuestiones internas y personales del popular conjunto acapulqueño y meter ideas entre algunos de sus integrantes. Así pues, producto de esa fama y las cantidades estratosféricas de dinero que ganaban, comenzaron los problemas y el grupo se desintegró.
Aunque algunos de sus integrantes trataron de tomar su propio camino musical, ya no fue lo mismo, ya que la gente quería ver en un mismo escenario al "Conjunto Acapulco Tropical" original.
Con el paso del tiempo, surgieron otras agrupaciones que trataron de imitar el estilo del llamado "Monstruo del Trópico"; sin embargo no pudieron. Incluso comenzaron a salir "clones" de esta exitosa agrupación con nombres parecidos como: "Conjunto Nuevo Acapulco", "Tropical Acapulco" y nombres así por el estilo, que nunca consiguieron la más mínima popularidad del conjunto original.
Algunos de los integrantes originales del "Acapulco Tropical" enfermaron y murieron. Años después uno de los líderes e iniciadores del grupo, el señor Walter Torres, retomó la batuta del grupo y revivió los años de gloria, ya que en la actualidad es una de las organizaciones musicales que más trabajo tienen en México, Estados Unidos y Centroamérica.
Recibieron un merecido homenaje en El Metropolitan
Hace menos de un año -el 6 de marzo de 2016- el "Conjunto Acapulco Tropical de Walter Torres" recibió un reconocimiento por sus ¡45 Años de Trayectoria! en el emblemático "Teatro Metropolitan" de la Ciudad de México, aunque la agrupación cumplió en sí, 46 años de vida artística, en donde quedó demostrado que la gente aún lo recuerda y canta sus canciones.
Actualmente el grupo está formado por Walter Torres (primera voz y congas), Alejandro Jiménez (acordeón), Marco Polo (requinto), Julio César Mercado (bajo eléctrico), Elder Torres Jr. (guitarra) y Ulises Torres (güiro).
Esta es a grandes rasgos la historia de uno de los grupos de música más populares de los últimos tiempos, del llamado "Monstruo del Trópico", una agrupación que a casi 50 años de haber aparecido en el firmamento musical hace que las nuevas y viejas generaciones digan: "¡Qué bien que sigue tocando El Acapulco Tropical!". Fuente: Internet.
Nace artísticamente en 1990 proveniente de una familia humilde con raíces afro peruanas. Nacido en la provincia Constitucional del Callao (Bellavista), cursó estudios superiores en la Policía Nacional del Perú y una mitad de carrera en el curso de Psicología de la Universidad San Martín de Porres (USMP).
Pudiendo más el arte, se consagra presentando su primer éxito Sin ti perteneciendo en ese instante a la Orquesta Perú Salsa All Star. Al mismo tiempo es invitado para grabar canciones como “Niña” y “Tengo todo excepto a tí” por la Orquesta La Sensual 990 del prestigioso Oscar "Pitín" Sánchez
Logrando una mayor aceptación, las demandas de trabajo no se hicieron esperar en todo el litoral peruano. Por tal motivo es que Antonio Cartagena se traza metas importantes como la conquista de otros países, razón demás para que en 1991 produzca su primer disco como solista con 10 temas donde resaltaron canciones como: Sedúceme y Necesito un amor, dándose a conocer en países como Colombia, Venezuela y parte de Estados Unidos.
Antonio Cartagena es uno de los mejores baluartes peruanos reconocido internacionalmente que está pasando por su mejor momento, considerado en la salsa como el mejor exponente de música en su género.
Sentimiento Colombiano es el primer material discográfico de la joven agrupación argentina Sonido Vallenato, un proyecto interesante que apunta a fusionar el género tropical con el sentimiento vallenato.
Su repertorio conformado por grandes éxitos del cancionero colombiano incluye una nueva versión de la canción "Anhelos" popularizada por el gran acordeonero Alfredo Gutiérrez para lo cual han invitado al famoso cantante argentino Daniel Cardozo quien fuera por más de 10 años vocalista de Los Charros, agrupación que a fines de los 90' generó una verdadera revolución en la música popular argentina.
Entre las obras que completan el repertorio se destacan, "Borracho", "Tú vas a volar", "Tierra Mala", "La cumbia sampuesana" y "Me vas a extrañar", esta última de la autoría del cantautor Jean Carlos Centeno y llevada al éxito por el mismo en su paso por el Binomio de Oro.
Sonido Vallenato está conformado por 9 músicos todos de origen argentino y una larga trayectoria musical y con un gran respeto por el folclor que fundara don "Francisco el Hombre" y que cada día sigue conquistando el corazón de miles de argentinos. Fuente: https://www.facebook.com/yidymusic/posts/443171375835992:0
Desde la bahía de Cispatá al Golfo de Morrosquillo, la cumbia es el baile popular de todos los pueblos... es el auténtico exponente del baile más extendido del litoral Atlántico.
La cumbia no tiene fronteras a todo lo largo de los pueblos costeños. Su ritmo es el mismo, báilese en Ciénaga o en Sampués. Lleva un aliento nostálgico de gaitas y un retumbar demoniaco de tambores. Sus notas agudas y sentidas alborotan el alma del costeño y lo obligan a gesticular en cualquier circunstancia. Sucede con ella entre los costeños como con la rumba entre los cubanos. Cualquier baile regional los entusiasma y los excita, pero ninguno como los citados para identificar el júbilo popular frente a la música autóctona. Por eso también, ocasionalmente, se ponen de moda uno u otro ritmo, pero la cumbia continuará siendo el baile ritual, ecuménico, de los pueblos del litoral. Pasos y ritmos
La cumbia, donde quiera que se baile, en Santa Marta o en Montería, en Barranquilla o en Cartagena, ha de celebrarse bajo el fuego de las espermas.
Ha de figurar siempre un centro musical en torno al cual danzan los bailarines. Este epicentro melódico puede recaer en la flauta de millo, en las gaitas, en el acordeón o en la banda de viento, pero cualquiera que sea su modalidad, el ritmo de la música ha de ser el mismo: la cumbia.
Notas nostálgicas, muchas veces estridentes, pero siempre con una decadencia ondulante como el bamboleo del mar.
Siempre habrá un círculo de parejas, estrechamente mezcladas, hasta el grado de que no podría decirse en dónde comienza la cabeza de este anillo humano, o dónde termina su cola. Las parejas, no obstante su entrelazamiento de pasos, guardan su individualidad en el torbellino. La mujer sabe que su parejo, aun cuando haya quedado rezagado en la vorágine de los cuerpos, la buscará infatigablemente contra la corriente hasta sumarse a ella y rodearla con sus gestos epilépticos y delirantes.
La actitud del parejo y la pareja son diferentes en el baile.
La mujer, coronada con sus paquetes de espermas encendidas, será la columna vertebral del ritmo. Serena, lo más erguida posible, solo moverá sus pies con menudo palmotear, como si sus pies fueran las manos temblorosas de los tamborileros amansando el viento arenoso de la tierra. Sus caderas llevan un endemoniado balanceo: endemoniado por cuanto reviven la onda siempre presente de la serpiente, aun cuando la verticalidad que coronan las espermas nos recuerda la altanería de las palmeras.
Contrariamente a este ritmo de la mujer, el hombre, abiertos los brazos, epilépticos los gestos, arqueándose o contorsionando las caderas, ya besando la tierra que pisan los pies de la pareja, ora quebrando el espinazo para mirar el fuego de las espermas que intenta quemar su cara, siempre será el escarabajo que ronda y ronda con zumbido el fuego tentador de la mujer. Gritos, locura incontenida de gestos, delirio de actos estrambóticos, como quitarse el saco o quemar un sombrero y hasta los pesos en la hoguera de las espermas, todo eso y algo más, totalmente indefinido, constituye el acoso frenético del macho a la hembra en la convulsionante rodachina de los bailadores de cumbia.
Pero la cumbia de que nos hablan los bisabuelos, aquella que se hacía a golpe de tambor y algazara de gaitas, en donde las parejas mantenían verdaderos duelos de resistencia, siempre matizada con el calor del aguardiente y con la inconsciencia de los gastos en dinero, bailada a la orilla de la playa en donde las vírgenes cedían la desgarradura de su sexo al varón que amaban, ya es algo que se pierde en la leyenda.
La cumbia de nuestros tiempos está muy desteñida. Hasta el nombre de «cumbiamba» que se le da en algunos sitios (Atlántico) lo denuncia. En realidad, la presencia de la banda de instrumentos de viento, el baile de las parejas entrelazadas como si se tratara de cualquier bolero, y a veces hasta la eliminación de las espermas, denota que la tradicional cumbia va en camino de desaparecer, si, como tantas veces se ha solicitado, las entidades interesadas en la defensa y conservación del folclor no toman cartas en el asunto.
La cumbia es un baile esencialmente popular y de masas. Siempre se ha bailado en amplias plazas o, de preferencia, en los pueblos costaneros, a la orilla del mar. Es un ritual al aire libre, que tiene por testigos a los astros, al viento y a los árboles. Todo esto hace pensar en sus orígenes primitivos; en que seguramente tuvo, como todas las danzas, un significado naturalista y sagrado. Pero la tendencia a deformar el ritual, tan acentuada en los últimos tiempos, nos hace pensar en lo que sería la cumbia transportada a los salones, como tantas veces la hemos visto caricaturizada en ciertos bailes. La mujer, queriendo imitar al varón, olvida su gravedad y se entrega a gestos que rompen su ritual compostura. Por otro lado, las parejas abrazadas -no podía hacerse de otra manera en una sala de baile- le quitan el gesto adoratorio y convulso con que el hombre rodea a la mujer en su danza. Por el contrario, la cumbia estilizada sería un argumento maravilloso llevada al escenario para la danza y el ballet.
Fuente: Manuel Zapata Olivella. Del folclor costeño (extractos). Revista Cromos, vol. 78, no 1931, Bogotá, 26 de abril de 1954, pp. 10-11, 58.
Al son del paloteo retumban los tambores y a su alrededor se forma la rueda de la cumbia. Con un suave meneo la mujer atrae la atención de su pareja y con el fuego de las velas se protege de él, que la sigue y la acosa con intención. Disfrute esta cumbia con Marciano Torres.
El ritmo candente de los tambores y la magia del acordeón hacen patente la alegría que la cumbia colombiana irradía por do quiera que se hace presente. Los pies cobran vida y las caderas se estremecen... y se inicia la danza y la gozadera. Gócela con Ramón El Vallenato, que interpreta "Que me toquen cumbia".
El grupo Alberto Pedraza con su Ritmo y Sabor nació en el año 2001 tras la deserción del maestro Alberto Pedraza de su antigua agrupación "Super Grupo Colombia", donde no solo tuvo 24 años de trayectoria musical, sino que, además, contribuyó en gran medida al éxito de la agrupación imprimiendo su estilo único y con la composición de éxitos tales como: “La Cumbia del Cuervo”, “La Cumbia Gabacha”, “La Cumbia de las Estrellas”, también conocida como “Noche de Estrellas”, “Corazón Solitario”, “Hoy vi a la Negra”, “La Cumbia Callejera”, “La Cumbia Popular”, “La Cumbia Yambao”, y “La Cumbia de Grissi”, entre otras. Canciones que han hecho bailar a la gente por más de 3 generaciones. Temas que son siempre los favoritos del público bailador, que ya son considerados Clásicos del folclore de la cumbia en México y que son autoría 100% letra y música del maestro Alberto Pedraza.
En el 2001 se grabó el primer CD incluyendo dos temas sobresalientes, uno de La Sonora Matancera, “El Ritmo de mi Cuba” y “Rumbo al Paraíso” de la autoría de Alberto Pedraza.
En el año 2002 se grabó el segundo material discográfico de 12 temas de los cuales se desprendió el éxito que dio a conocer al grupo en todo el continente y llegando hasta la unión europea, "La Guaracha Sabrosona", abarcando todo el mundo con este éxito y recibiendo por parte de todos los sonidos en México y Unión Americana el título de “El Rey De La Cumbia Sonidera”. Desde ese momento el grupo se ganó un lugar en el gusto del público quien no dejó de colocar éxito tras éxito en cada uno de los 13 materiales discográficos grabados, éxitos tales como: “El Corazón Solitario” tema que dio a conocer en México, Unión Americana y en España el señor Ramón Rojo Villa sonido “La Changa”, “Siguiendo Tus Pasos”, “Cumbia Cande”, “Eco de Tambor”, “Sombrero de Tres Puntas”, “Cumbia Caderona”, “ Las Guapachosas”, “La Linda Guarachera” y hasta hace un tiempo “La Cumbia de la Negrita Juana” y “La Cumbia Chamagoza”, éxitos que han mantenido al grupo en el gusto del público como su favorito desde el 2004.
El grupo de Alberto Pedraza ha tenido el honor de acudir a shows y giras a lo largo y ancho de los Estados Unidos, teniendo participación por lo menos con un evento en cada uno de los estados de la Unión Americana, a lado de artistas de la talla de Alex Lora “El Tri”, El Haragán, Interpuesto, Mago de Oz, por mencionar algunos, pero sobre todo demostrando que es “El Rey de la Cumbia Sonidera” en nuestro país vecino, abarrotando lugares enteros con gente deseosa de escuchar los mejores éxitos sonideros de Alberto Pedraza, quien cada año les lleva a nuestros paisanos de EE.UU todo el folclore de la cumbia hecha en México al estilo sonidero.
Fuente: http://elreydelacumbiasonidera.hol.es/
Guaracha sabrosona - Alberto Pedraza Con Su Ritmo y Sabor
