Esta Marimba Orquesta la integraron los Hermanos Narváez Villafuerte,
del Barrio del Cerrillo en San Cristóbal de Las Casas, Chiapas, México.
De los ocho hijos del Sr. Jerónimo Narváez de la Cruz y de la Sra.
Refugio Villafuerte Trujillo, cinco hombres (Enrique, Pedro, Guadalupe,
Juventino y Ramiro) y tres mujeres (Josefina, Delfia y Victoria), tres de ellos
siguieron el camino de la música: Juventino -Marimbista, Director y
Compositor-, Guadalupe –Marimbista- y Ramiro -Marimbista y Compositor.
Otros familiares que también se integraron a La Cuquita fueron Juventino
Narváez Jr., hijo de don Juventino, que fue baterista, arreglista y compositor,
y Horacio Aguilar Villafuerte, primo de los Narváez.
Además también formaron parte del grupo marimbístico dos reconocidos
músicos sancristobalences: el maestro Mario Penagos y el Sr. Urbano Martínez,
siendo este último el único que vive según información. Asimismo el Sr. Rodolfo
Gómez, marimbista y compositor, originario de la
Costa Chiapaneca, también formó parte de La Cuquita.
Breve historia de La Cuquita
En la década de los 30as. el Sr. Juventino Narváez Villafuerte formaba
parte de un grupo marimbístico en San Cristóbal de Las Casas, cuyo director era
el maestro Jesús Penagos, reconocido músico.
Posteriormente, en 1931, el Sr. Juventino viajó a la Cd. de México en
plan de paseo y allá se encontró a un amigo, músico también, que le animó para
que se quedara a trabajar allá y lo recomendó para que se hiciera cargo de un
grupo musical que tocaba en un centro nocturno.
El Sr. Ramiro Narváez Villafuerte, que era el menor de todos los
hermanos, atendía una peluquería en San Cristóbal de Las Casas y, por
indicaciones de su hermano Juventino, empezó a practicar con la batería. Cuando
estuvo preparado, emprendió el viaje a la Cd. deMéxico para integrarse al grupo.
Poco después viajaron a la capital del país y se unieron al grupo
marimbístico su otro hermano, el Sr. Guadalupe Narváez Villafuerte y el Sr.
Horacio Aguilar Villafuerte, primo de los Narváez, destacado marimbista que
tocaba con Los Hermanos Paniagua. Cuentan que el Sr. Pedro Cordero, del Barrio
del Cerrillo, había sido integrante también de la Cuquita allá en México, D.F.
Así que por iniciativa del Sr. Juventino Narváez Villafuerte nació la
Marimba Orquesta Cuquita de los Hermanos Narváez Villafuerte, que deciden
bautizarla con el nombre de “Cuquita” en honor al nombre de su madre, la Sra.
Refugio Villafuerte Trujillo.
Algunos informantes comentaron que les llamaron “Los Campanitas” porque
en las melodías que interpretaron Los Hnos. Narváez se escuchaban unas
campanitas en algunas melodías. Eso quizá confunda a algunos porque la Orquesta
Marimba de Los Hermanos Domínguez, también de San Cristóbal de Las Casas, igual
era conocida como “Las Campanitas”.
La Cuquita alternó en varias ocasiones con grandes Marimbas, Orquestas y
Grupos Musicales en México y en otros lugares, como la mundialmente famosa
“Lira de San Cristóbal” de los Hermanos Domínguez, La Orquesta de Luis Alcaraz,
Gonzalo Curiel, Pablo Beltrán Ruiz, Carlos Campos, Ramón Márquez y otros.
Además se le recuerda en los grandes bailes que se realizaban en el Salón
Riviera -donde acudían los chiapanecos- y en otros centros como El Rincón
Colonial, El Patio, Salón México y otros.
Fundada por el compositor guatemalteco Mardoqueo Girón, la Marimba Gallito se llamó inicialmente Marimba Excélsior en 1944. Posteriormente, en 1980, se conoció como la Marimba Orquesta de Mardoqueo Girón y Marimba Quiché, actualmente como la Marimba Orquesta Gallito La Soberana.
En la Guatemala de antaño, en 1944 Federico Müller contrató al conjunto Excélsior para trabajar diariamente en el club nocturno El Gallito, donde con el tiempo se rebautizó a la marimba como "La voz del gallito" y el público comenzó a llamarle "La Gallito".
Sus grabaciones iniciaron en 1952 gracias a Don Salvador Avelar, quien comenzó una aventura con las grabaciones de marimba, y su éxito fue inmediato. Así nació la era de los estudios de grabación en Guatemala y el éxito paralelo de La Gallito, que le ha permitido constituirse en toda una institución de la música de marimba en su país.
La Gallito marcó una inigualable trayectoria de tradición marimbística bajo la dirección del tecpaneco Mardoqueo Girón, quien falleció recientemente. En la actualidad la marimba es dirigida por el compositor Orlando Menéndez Lechuga.
Mardoqueo Girón Castellanos
(1927-2000)
Compositor y marimbista, nació en Tecpán,
Guatemala, el 8 de diciembre de 1927.
En 1945 se trasladó a la capital guatemalteca
para integrar un conjunto de marimba orquesta.
Girón Castellanos llegó a la
marimba "Excelsior", recomendado por don Salomón Argueta, a la que se
incorporó y la que más adelante pasó a ser llamada "La Voz del
Gallito", bajo la influencia de Salomón Argueta y Fernando Jiménez.
Durante las décadas de 1950 y 1960 trabajó en
el restaurante Gallito, ubicado en la 9a. calle, entre 8a. y 9a. avenidas de la
zona 1. Tanta era la afluencia de público que en este salón armaron su propio
grupo musical conocido posteriormente como “La Soberana Gallito, dirigido por
el maestro Mardoqueo Girón.
Con la “Gallito” viajó a Estados Unidos,
Canadá, Centroamérica y Panamá.
Mardoqueo Girón Castellanos
aprendió con su padre, don José Girón, y desde los seis años ya se le reconocía
como buen instrumentista. Tuvo entre otros maestros a don Salomón Argueta y
Fernando Jiménez.
Compuso música en distintos ritmos y géneros.
Dentro de sus canciones más conocidas figuran: “El Tikalito, Tecpán Guatemala,
Alma, Mi carnaval, Un par de novias, Amigos de la marimba, Guatecumbia, El
cordón de San Francisco, Madre bendita seasy Señor de Esquipulas.
A lo largo de su carrera artística recibió
innumerables diplomas, discos de oro, medallas y trofeos. La Asociación
Guatemalteca de Autores y Compositores plantó un árbol de hormigo que lleva su
nombre en el Parque Sonoro. El 27 de octubre de 1985 recibió un homenaje por su
trabajo como arreglista.
El Centro de Promoción Cultural y
Deportiva, refiriéndose a este gran maestro dice: "...Nos relata que formó
parte de un famoso conjunto de Emilio Ramírez en Radio Nacional (TGW), en donde
se daban cita los mejores violinistas de la Sinfónica Nacional. También fue
concertista de la Sinfónica en la obertura "Pájaro Blanco", que fue
toda una novedad por su interpretación. Su última composición fue la obertura
"Fiesta de Cakchiqueles", que se estrenó en el Primer Festival de
Paiz en la Antigua Guatemala, con la marimba de Bellas Artes, que motivó
sonoros aplausos y se apresta a estrenar otras oberturas de este corte
musical".
Temas:
01 Vamos a la cumbia
02 Cumbia universal
03 Ritmo y palmeras
04 Cumbia sampuesana
05 Te lo creo
06 Jugueteando a ritmo
07 Cumbia del sol
08 Alumbra estrella
09 Al paso
10 Barranquillerita
11 Cumbia morena
12 Cumbia internacional
13 La rajita de canela
14 Tabaquera
15 La chispita
16 El cable
17 La charamusca
18 Cumbia del gallito
19 Tren de oriente
20 Tina
21 20 de enero
22 María Eugenia
23 Cumbia sabrosa
... El sabor juvenil y bullanguero de La India Maya Caballero.
Marimba Orquesta Checha y su India Maya Caballero.
Nació en Guatemala en 1945, fundada por el maestro y compositor Bernardo Gálvez, quien falleció el 6 de enero de 1967, y desde entonces quedó a cargo de su hijo César Gálvez, conocido artísticamente como Checha.
Hijo de Bernardo Gálvez y Marta Navas. Checha, como lo llamaron en
la farándula, estudió al principio con su señor padre y después ingresó al
Conservatorio Nacional, donde, a pesar de no haber concluido la carrera, obtuvo
sólidos conocimientos que le permitieron sustituir a su progenitor desde el día
de su muerte, en la marimba que poseía y dirigía, causa por la cuál se
vió precisado a interrumpir sus estudios, ya que el compromiso adquirido
requería de su presencia permanente en el conjunto. La dirección de la marimba
India Maya le dió muchas satisfacciones y le proporamá, Me voy me voy, En la cumbre, El ruletero, El vendedor de periódicos, Las tostadas, Cuando un amor se va, Hermano San Simón, Papá tenías razón, entre otras.
CESAR
AUGUSTO GALVEZ
Marimbista,
trompetista, arreglista y compositor, nació en la ciudad de Guatemala el 17 de
mayo de 1948. Lamentablemente falleció el 15 de noviembre de 2012 por complicaciones de una úlcera gástrica, según fuentes oficiales. Hijo de Bernardo Gálvez y Marta Navas. Checha, como lo llamaron en
la farándula, estudió al principio con su señor padre y después ingresó al
Conservatorio Nacional, donde, a pesar de no haber concluido la carrera, obtuvo
sólidos conocimientos que le permitieron sustituir a su progenitor desde el día
de su muerte, en la marimba que poseía y dirigía, causa por la cuál se
vió precisado a interrumpir sus estudios, ya que el compromiso adquirido
requería de su presencia permanente en el conjunto. La dirección de la marimba
India Maya le dió muchas satisfacciones y le proporcionó los medios de
subsistencia necesarios.
Viajó por México, los paises
centroamericanos y varios Estados de los Estados Unidos, donde cosechó los
más sonados triunfos y puso el nombre de Guatemala en muy alto sitial.
Durante su época de estudiante en el
Conservatorio integró el coro que dirigía el Dr. Felipe de Jesús Ortega y la
orquesta estudiantil. Recibió clases con los maestros Alfonso Colindres, Oscar
Barrientos, Victor M. de la Cerda y Jorge Alvaro Sarmientos.
Grabó mucha música tanto de compositores
nacionales como de extranjeros y fue merecedor de múltiples
reconocimientos: diplomas, medallas, trofeos, el Disco de Plata, el Disco de
Oro, la Marimba de Oro, la Dama de Plata y muchos más. Su marimba-orquesta
India Maya, está considerada como una de las mejores intérpretes de música
tropical. Tiene tres hermanos y, al igual que él, todos se han dedicado al arte
musical.
Algunas de sus composiciones: "La
Baciladora"; "La bola de Jaime": "Mi Carcachita";
"Celosa": "Flores para mamá"; "Las Tostadas";
etc.
Exitos:
01 El inglesito 02 Vamos pa' la cumbia 03 Cumbia árabe 04 La pollera colora 05 Gloria María 06 Coquito de agua 07 Danza negra 08 El gallo viudo 09 El paso del gansito 10 Tugurucutú 11 La boa 12 Nana Pancha 13 La rama 14 ¿Quién vale más? 15 Ligia 16 Los cocos 17 Al compás de las polleras 18 Cuando un amor se va 19 Melo, melo, melonero 20 Aquel amor
Otro grande de la música tropical colombiana. Nació el 24 de junio de 1930 en Barranquilla y falleció el 16 de junio de 1965 en la capital antioqueña.
"A Pérez se le publica este álbum de homenaje póstumo para evocar su memoria como cantante, como compositor y como director del Conjunto Caribe, y para perpetuar su recuerdo mientras pasen los años". Fuente: Portada trasera del disco.
Temas: 01 Noche de cumbiamba 02 Ramita de matimba 03 El pollerón 04 Cumbia nativa 05 Rosa María 06 Cumbia en el sol 07 Cumbia sobre el mar 08 Sabor de cumbia 09 Cumbia negra 10 Baila Juana 11 Carita pinta
La presente fotografía apareció en el número 30 de la revista La Lira y en ella aparecen sentados dos maestros de la música tropical colombiana, Anibal Velásquez y Morgan Blanco, durante el conversatorio: Semblanza Musical de Carlos Román, realizado el jueves 11 de agosto de 2011 y organizado por Cirdamayer en Barranquilla.
Es escasa la información disponible acerca de Morgan Blanco, un estupendo acordeonista, por lo que me pareció muy interesante este material al encontrarlo. Si algún colombiano orgulloso de su música posee alguna reseña de este personaje y lo desea compartir se le agradece, así contribuiría con los que estamos en el exterior y que admiramos la belleza de su música.
Temas: 01 Cumbia coqueta 02 El reyecito 03 Vámonos de vacilón 04 Mi terruño 05 Déjame ve pa'ver 06 Grito cumbiambero 07 El lunar de Claudia 08 El sábalo mayero 09 Lástima de ti 10 Quién me llorará
Temas: 01 Leticia 02 El pato 03 El tatuaje 04 La gitanilla 05 Dame más amor 06 Bello atardecer 07 La diosa del mar 08 Sufriendo tu adiós 09 Traicioneros tus ojos 10 La morena Encarnación
Tommy Ramírez
Tommy Ramírez y sus Sonorrítmicos, precursores de la música
grupera actual, vieron fincados sus primeros cimientos en 1972, en el poblado
llamado Trinidad Huaxtepec, Oaxaca, México.
Los antecedentes en la vida artística de Tommy Ramírez,
fundador y líder de Los Sonorrítmicos, los encontramos en su familia. Su padre,
Don Federico Ramírez, era músico de profesión; y su madre, Doña Julia Carrasco,
era integrante en los coros de la iglesia. Así ambos le transmitieron a su
tercer hijo varón la música en cada una de las notas desde que se encontraba en
el seno materno.
Desde pequeño se dió cuenta de que tenía mucho que dar a la
gente, pero fue en su educación secundaria donde descubrió que su vida se desarrollaría
en los escenarios; eso al participar en una obra teatral. Ahí comenzó su lucha
por lograr cumplir sus sueños de triunfar y llevar su música a todo el país.
En 1972 se forma el grupo Los Sonorrítmicos, quienes hasta
la fecha han acompañado a Tommy Ramírez en sus producciones y presentaciones.
Comienzan a difundir sin tanta suerte el tema “Traigo una tragedia”, de la
autoría de Gabriel Almanza, pero tiempo después logran consolidarse con “Dame
más amor”, canción del mismo autor.
Desde entonces consiguen llenos totales en todas sus
presentaciones masivas conquistando así la República Mexicana y parte del
extranjero con temas como “Leticia”, “Ya no llores pajarillo”, “Rueditas de
amor”, “La morena Encarnación”, “Último rodeo”, “Tu cara bonita” y “Triste
recuerdo”, por mencionar algunos; todos temas románticos con el sonido
característico de las campanitas que aún siguen escuchándose en sus canciones
actuales.
A más de tres décadas de su nacimiento, Tommy Ramírez y sus
Sonorrítmicos siguen llevando su música a los corazones del público que los
recuerda con gran entusiasmo. Fidel Alva, en los teclados; Osvaldo Granados,
bajo eléctrico; Israel Ledesma, percusiones; Martín Herrera, batería; José
Barrón, guitarra; Jorge Sánchez, güiro; y por supuesto, Tommy Ramírez en la
primera voz, dan vida a este sueño que aún sigue encendido con el fuego del
recuerdo de la gente que los vió nacer y que han transmitido sus canciones de
generación en generación.Fuente: http://tommyramirez-starmedios.blogspot.mx/
Temas: 01 Si me quieres 02 Un telegrama 03 Chocolate merengue 04 Por qué fingir 05 Entre tinieblas 06 Popurrí de congas 07 La probada 08 Nuestro amor 09 La bola 10 Me tienes loco 11 Mi parranda 12 El cohete y La luna
El gran Pacho Rada nació el 11 de mayo de 1907 en Plato, Magdalena.
Su
madre María Gregoria Batista falleció cuando Rada tenía cuatro años;
por esta razón fue educado por su padre Alberto Rada Ballestas, ganadero
y agricultor , con quien construyó una relación de gran complicidad, su
padre murio cuando Pacho tenia 20 años.
Fue su padre quien lo
inició en el acordeón; siempre ha recordado que desde los cinco años,
cuando lo invitaban a tocar en fiestas o llegaba a la casa tomaba el
instrumento, más para improvisar o recordar canciones de otros que
componiendo; desde ahí Pacho se sintió atraído por el acordeón.
Según
comentan muchos, cercano a la edad de 7 años compuso la primera
canción: El toro Tutencame, nombre de una vaca, regalo de su padre, que
casi muere en su primer parto.
A los 9 años su tío, Manuel Rada,
lo apodó "Francisco el hombre" por su gran versatilidad con el
instrumento, hecho que acentuó la idea de asociarlo a la leyenda
homónima; si bien es cierto que observó cuidadosamente a su padre, no
aprendió a través de lecciones.
Desde los 25 años fue reconocido
en la región del Rio Magdalena y las sabanas del Ariguani: Pijiño,
Mompox, San Sebastián, Buenavista, Guataca, Guasimal, San Fernando,
Las Margaritas, Guinea, El Banco, Tamalameque, La Gloria, Calamar,
Cartagena, Heredia, Tenerife, Chivolo, El Dificil, Astrea, Chiriguaná,
Barranquilla, Plato...
A "Pacho" Rada se le adjudica el son dentro de la música vallenata, al respecto alguna vez El comentó:
"Desde
que nací aprendí que los ritmos del Son y Paseo que se tocaban en
acordeón eran iguales, nadie los distinguía. Con el correr del tiempo
fui dándome cuenta de que el SON se escuchaba más bello cuando se le
acompañaba de un solo golpe de bajo, pues de esta forma la melodía se
escuchaba con mayor esplendor lírico. La cadencia del SON se aprecia
mucho mejor de esta manera, que cuando se acompaña de dos golpes o
compases de bajo como ocurre con el Paseo. A raíz de esa apreciación,
decidí comenzar a tocar mi música con ese nuevo estilo, y el público, al
notar la diferencia en interpretación me preguntaba qué ritmo tocaba, a
lo que yo respondía: 'el verdadero ritmo del SON'.
Cuando se
interpreta un ritmo de SON, no debe acompañarse con dos 'porrazos' o
compases, como se usa en la cumbia y en la puya, ni tampoco debe hacerse
'refuego' de bajo, o sea utilizar diferentes tonos de bajo.
Ese
nuevo estilo se impuso rápidamente dentro del público, el cual
identificaba mi música en cualquier lugar. Muchos colegas se vieron
obligados a tratar de imitarlo; varios de ellos llegaron a mi casa para
que les enseñara el secreto de su ejecución. entre los cuales puedo
contar a Juancho Polo Valencia y Alejo Durán.
Casi sin darme cuenta
se me bautizó como el 'Padre del Son' y sin pecar de egocéntrico creo
que es justicia, ya que fui yo quien lo descubrió e implantó dentro de
un estilo muy personal."
Algunas canciones comentadas por el autor:
"En
1.930 compuse el tema 'La Lira Plateña', son que más tarde se convirtió
en uno de los preferidos del público. A pesar de los años, sigue siendo
generosamente aceptado. Este son refleja mi amor consagrado a la lira
de mi acordeón y a mi pueblo natal, Plato. Esta canción tuvo dos
versiones: la primera en ritmo de SON, y la segunda en ritmo de merengue
y jalaito. La primera versión tenía una estrofa que decía así
(fragmento):
"Las mujeres no creían
Que un amor no se lloraba
Lloren mujeres la lira
Lloren la lira de Rada
Versión en jalaíto (más rápida, fragmento):
Yo tengo amores de lira
Tengo una lira en mi alma
Por eso es que no tiene calma
No tiene descanso en la vida
Coro:
Es una lira plateña
Nació en orillas del río
Tiene bastante zumbí’o
Se oye por la tierra ajena"
"Creo
que los cantos de mi música son resúmenes sociales que terminaron
metiéndose en todos los aspectos de mi vida; así como le canté al amor,
al acordeón, a mi pueblo natal, a mis hijos, también me sirvió para
denunciar o contar sucesos y anécdotas, [...]
Ejmeplos:
un tema que se convirtió en éxito musical el “Sipote luto” (fragmento):
"Me decían que se murió
Yo no lo podía creer (bis)
Qué cipote luto tengo yo
Qué cipote luto tiene usted (bis)
Ahora te pregunto yo
Tú tienes una virtud (bis)
Si te mueres tú lo cargo yo
Si me muero yo lo cargas tú (bis)"
Tambien una cancion en versos largos alusiva a hechos politicos de su region:
"Ahora el doctor se convencera
que el gobierno no es que se descuida
sino que si no hay nadie que le pida
el gobierno ignorante que va a dá"
"Como
nunca fui amigo de peleas, decidí tomar el 'slogan' del cigarrillo
Pielroja que en esa época decía: 'Pielroja, su fama vuela de boca en
boca'. Por eso saqué este son, el cual dio mucho de qué hablar:
"Eso está escrito en una hoja
Lo dice Francisco Rada
La gente me tiene rabia
Y me tienen de boca en boca
Les voy a decir una cosa
Y es para que todo el mundo oiga,
Mi nombre anda de boca en boca
Como el cigarrillo Pielroja"
"Esos
versos llegaron a molestar a varios músicos de la Provincia, quienes
comenzaron a llamarme 'El Tigre de la Montaña', según me contó un amigo
que regresaba de esas tierras. Ese sobrenombre me inquietó porque
considerarme un tigre era una ofensa, ya que este animal es un asesino
que come gente, y yo ni era asesino, ni muchos menos comía gente ni
tenía garras. De manera que reaccioné, pero como no tenía el nombre de
aquel que me había llamado de esa forma, hice este son, como quien dice:
'al que le caiga el guante, que se lo achante....' (fragmento):
No sé si será Zuleta el de ese Son
Que me está tratando de Tigre de la Montaña
O será Morales en su acordeón
O será Morales en su acordeón
O será Morales en su acordeón
Yo siempre perdono al que se engaña
Coro:
Oye mi vida, oye mi maye
A mí me gusta enseñar al que no sabe
Oye mi vida, oye mi maye
Yo siempre perdono al que se engaña"
Pacho Rada, aun bajo sus pesados largos años, nunca pudo bajarse de los escenarios artísticos y su inspiración se mantuvo siempre activa.
En 1998 protagonizó la película de largo metraje “El acordeón del diablo”, una producción alemana que cuenta la historia de Francisco el Hombre, con quien siempre fue confundido Pacho Rada, imaginario alimentado por sus propios hijos, llegando uno de ellos a escribir un libro sobre este tema.
Murió el 16 de julio de 2003. Su sepelio, en Santa Marta, fue uno de los actos más multitudinarios que haya visto esta ciudad.
Nació en Chochó (Sucre) el 20 de julio de 1936. Hijo de Julio de la Ossa Álvarez y Elvira Domínguez Contreras, quien fallece cuando él tenía 2 años. Lo crió su abuela Andrea Álvarez.
Comenzó su vida musical a los 17 años en la Banda Juvenil de Chochó como maraquero que hacía maromas. Trabajó como agricultor de tabaco y compró un burro con el que vendía agua en Sampués y Sincelejo. Ahorró y su abuela le completó para comprar un acordeón, un guacamayo de 2 teclados.
Al inicio tocaba porros, fandango, cumbia, paseaitos y algunos vallenatos que se escuchaban en su región. Le gustó el estilo de Alejo Durán, que influenció sus inicios.
Luego conoció a Calixto Ochoa cuando buscaba un técnico para su acordeón y le cambió el suyo por el dañado, con el que Calixto había grabado sus primeras canciones.
Su primera canción fue Carmencita, dedicada a una paisana suya. Así comienza a darse conocer con canciones muy costumbristas y auténticas.
Se va con De la Barrera a Discos Curro de Cartagena y graba para Ecos "Mi vida es para ti", "El motetico", "En abarcas", de su autoría. Discos Fuentes lo vincula a su elenco entre 1960 y 1962, grabando con los consagrados Corraleros de Majagual. De Discos Fuentes pasa a Discos Tropical y graba "La margentina", "Adiós María", "Linda sucreñita", "Miles de trabajos". Pasa a Codiscos y graba 16 temas en Alpha, luego a Sonolux y en el 68 en CBS. Vuelve ese año a Discos Tropical y graba en co-autoría con Rubén Darío Salcedo "La colegiala".
Llega a Valledupar en 1963 invitado por Roberto “El turco” Pavajeau y Eduardo Mattos a quienes había conocido en galleras y se queda en esta ciudad donde aprendió a tocar vallenato, tenía 27 años.
Participó en el Festival de la Leyenda Vallenata de Valledupar en 1969 por primera vez, queda tercero. Luego en 1972 (3º). 1973 (2º). 1974 (3º). Gana la corona como Rey Vallenato en 1975 a Ovidio Granados y César Castro
Murió de diabetes el 28 de septiembre de 1998 en Montería a las 7 de la mañana y lo enterraron por su voluntad en Valledupar.
Entre sus canciones están: "La colegiala", "Preso distinguido", "La pedigüeña", "Los payasos", "La ojona", "Novia ingrata", "Mi diosa", "Mi visita", "Mi ausencia", "Honda herida", "Chave", "Cariñito", "Las cartas", "Amores nuevos", "La coquetona", "Adiós María", "La margentina", "Me dominas", "El testamento", "Amores escondidos", "Orfelina", "Se fue María", "Amor divino", "La cita", "La compañía", "Me olvidó", "Puño molío", "El famoso", "Puya saramuya", "La segoviana", "Vivo enguayabado", "Padres corrompidos".
Julio de la Ossa y su Conjunto - La Colegiala
Temas:
01 La colegiala
02 Triste muy triste
03 Muchacha bonita
04 Ana querida
05 Paso llorando
06 El candado de Nicolasa
07 El famoso
08 La coquetona
09 Por qué eres así
10 Padres corrompidos
11 Bella cascada
12 Tu recompensa
Nació en Hatonuevo (Guajira) el 20 de febrero de 1928. Desde muy pequeño fue llevado a Tocaimo y posteriormente se radica en San Diego (Cesar).
Es la más grande manifestación natural del canto vallenato. Ciego de nacimiento, posee una extensa obra que sobrepasa los 100 títulos que han sido difundidos por las más consagradas agrupaciones nacionales e internacionales.
Santander Durán Escalona lo define “Es la leyenda viva de la música vallenata, la naturaleza le negó la vista pero le entregó los ojos del alma”.
Hace 22 años, “Juancho” Gossain, en una de sus crónicas del Festival Vallenato, escribió sobre Leandro “Se llama Leandro Díaz, y es el más sensible de todos los músicos de esta tierra pródiga en poetas y cantores que remontan a las sierras y los ríos y andan y desandan los valles como si fueran los últimos juglares que quedan sobre la tierra”.
Nadie ha cantado mejor a la naturaleza que Leandro Díaz y lo que nadie se imagina, ni siquiera viéndolo a determinada distancia, es que este hombre, alma de la música vallenata, no tiene ojos, nunca los ha tenido. O quizás ocurre algo distinto “Yo creo que Dios no me puso ojos en la cara porque se demoró poniéndome ojos en el alma”.
Su primera canción fue grabada hace 40 años, cuando Luis Enrique Martínez llevó al acetato el tema “A mí no me consuela nadie’, pero como no conocía el titulo original lo titulo’”Esperanza perdida”. Otros titulos de su obra: Soy, La Gordita, Matilde Lina, Los tocaimeros, El verano, El negativo, Quiéreme, La Diosa Coronadá, Carmencita, La parrandita, Cardón Guajiro, Mi memoriá, Fui de tu alma, La contra, Olvídame, Preciosa mujer.
Tomado y modificado de la Revista Festival de la Leyenda Vallenata
Nacido en Santa Marta el 7 de agosto de 1961, este artista colombiano ha sido considerado como el responsable de haber impulsado el vallenato a nivel internacional.
Aunque muchos de sus paisanos no están de acuerdo con la imagen que presenta del vallenato al exterior de Colombia, ya que no lo interpreta en su forma pura, como un vallenato tradicional, es innegable la difusión que le ha dado... y el amor por su tierra y por su folclor es digno de admirar.
Sus detractores dicen que lo suyo no es vallenato, pero ¿acaso el vallenato comercial que se escucha actualmente sí lo es?
El vallenato ya existía antes que él y ya se conocía en algunas otras partes del continente gracias al éxito de otros reconocidos artistas colombianos, como Alfredo Gutiérrez entre otros, pero gracias a la fusión que hizo Vives al vallenato y otros ritmos caribeños con el pop y con el rock, se posicionó en el gusto internacional. Y la gente ya voltea sus ojos a Colombia y empieza a investigar y a conocer más las raíces de su bello folclor.
Tito Rodríguez personifica como ninguno al crooner por
excelencia, al cantante elegante, al artista caballeroso dentro y fuera de los
escenarios. Aunque abordó todos los géneros, desde el mambo hasta el latin
jazz, pasando por el cha-cha-chá, la guaracha y la charanga, sería en el bolero
donde encontraría su consagración. El fraseo perfecto con que enmarca sus
interpretaciones le sirvió como pasaporte para ingresar a la galería de los inmortales.
.
Pablo “Tito” Rodríguez nació el 4 de enero de 1923, en Santurce, Puerto Rico.
Su padre era dominicano y su madre cubana, y gracias a los buenos oficios de su
hermano Johnny, convertido ya en figura conocida con su trío, logró ingresar
al Cuarteto Caney como maraquero. Más adelante, participó en los coros de las
orquestas de José Curbelo, Xavier Cugat y el gran pianista Noro
Morales, y trabajó con Tito Puente en la banda de José Curbelo.
.
En 1946, mientras la banda de Curbelo aparecía en el club nocturno China Doll,
Rodríguez conoció a Tobi Kei, una muchacha del coro de nacionalidad
américo-japonesa con la que se casó unos meses más tarde y con quien tuvo tres
hijos.
.
Rodríguez fue despedidopor Curbelo cuando él le había pedido el día
libre para cuidar de Toby, que estaba enferma; pero alguien le dijo a Curbelo
que la ausencia de Rodríguez realmente se debía a que se había pasado el día
bebiendo en una barra.
.
Después de varios meses de desempleo, Tito formó un combo que llamó Los
Diablos del Mambo (The Mambo Devils), aunque después tuvo que
cambiarle el nombre a Los Lobos de Mambo, para el sello SMC, debido a un
conflicto con otro grupo. No obstante, después de tomar fuerza, fue reconocido
como Tito Rodríguez y su Orquesta por más de 20 años.
.
Vendría después la famosa etapa del Palladium de Nueva York, cuando este
lugar, abandonado por las orquestas americanas y administrado ahora por Federico
Pagani, abrió sus puertas a los artistas latinos, provocando con ello una
explosión musical que todavía resuena en el tiempo, y que ubicó a nuestra
música en lugares que nunca nadie soñó. Una gesta sólo comparable en grado de
importancia a lo que harían tres décadas después los artistas de la Fania en el
cabaret Cheetah.
.
La popularidad de Tito Rodríguez a través de su carrera se debió a que siempre
buscó amaestrar el sonido de las orquestas populares del momento sin copiarlas,
sino tomando únicamente de ellas sus más importantes atributos, como fue el
caso del Sexteto la Playa, con el que cantó temas como “La muela”
y “Mamagüela”. Por eso, mucho tendrían que ver Rodríguez y sus Mambo
Devils en este resurgimiento, y en este escenario dió a conocer muchas de sus
composiciones de entonces: “Bésame la bembita”, “El mambo de Tony”
y la famosa “Mamagüela”, que en un principio se llamó “Mambo mona”.
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Con los Diablos del Mambo realizó sus primeras grabaciones discográficas
–mambos y latin jazz en su gran mayoría– para Tico Records, a través de los
años 50, gozando de gran renombre entre las audiencias latinas. En 1960, firmó
con el sello Artistas Unidos (UA Records), bajo la condición de que él sería el
único artista latino en dicha compañía.
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Su rivalidad con su coterráneo, el gran timbalero Tito Puente, se
convirtió en uno de los atractivos del lugar, y esa disputa se reflejó en
algunas de las grabaciones que Rodríguez hizo para el sello Musicor Records,
tal como “Avísale a mi contrario que aquí estoy yo”, del álbum “Carnival
Of The Americas”. El vocalista cubano Miguelito Valdés y Machito
apelaron a los dos combatientes en la canción “Qué pena me da”,
compuesta por Valdés para su reunión de colaboración en 1963.
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Al comenzar la década de los 60, hallamos a Tito Rodríguez y su orquesta como
líderes del fenómeno generado en medio mundo por la pachanga y la charanga, que
los aprendices de entonces considerábamos como ritmos bailables, hasta que vino
Joe Quijano y desembrolló la confusión asegurando que “una charanga es
la orquesta que está de moda y una pachanga es el baile que se baila ahora”,
para culminar invitando a que “con José Quijano, bailen la pachanga y no la
confundan con una charanga… ¡charanga!”
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En 1962, Rodríguez tuvo tres canciones consecutivas que fueron magníficos
éxitos: “Vuela la paloma”, “Cuando, cuando” y “Cara de payaso”,
que llegaron a la cima de casi todas las listas de popularidad (charts) tanto
en Puerto Rico como en muchos otros países sudamericanos.
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Los tiempos y las modas evolucionan, y en 1963, pasado el fervor por las
grandes bandas, se impusieron los grupos pequeños, tipo sexteto o combo
(justamente a esto debemos que surgieran grupos irrepetibles como Cortijo y
su Combo). Tito disolvió entonces su orquesta e integró un nuevo grupo con
violines, grabando lo que quizás sea su máxima creación: el bolero “Inolvidable”
(“En la vida hay amores que nunca pueden olvidarse… imborrables momentos que
siempre guarda el corazón”…), del compositor cubano Julio Gutiérrez,
y que ya se conocía en versiones de René Cabel y del dúo puertorriqueño
Pérez-Rodríguez (María Esther Pérez y Felipe Rodríguez). El éxito de
Tito Rodríguez cantando boleros fue total, y esto le indicó al artista el
derrotero a seguir, dedicándose entonces de lleno a interpretar temas
románticos.
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“En la soledad”, “Mientras tú no llegas”, “Lo mismo que a
usted”, “Llanto de luna”, “Tiemblas”, “Don Fulano”, “Si
te contaran”, “Ya son las doce” y “Llévatela” (de Manzanero)
son apenas algunos títulos en la lista interminable de hermosos boleros que
dejó para siempre en grabaciones que realizó hasta la Navidad de 1972, cuando
se sintió de pronto mal y, obedeciendo un diagnóstico tempranero de cansancio
por exceso de trabajo, decidió internarse en una clínica promediando el mes de
enero.
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Sus espectáculos calaron hondo en Nueva York y América Latina, época de la que
se recuerda un excelente álbum de latin jazz, “Live At Birdland” , con Zoot
Sims y Bob Brookmeyer. Trasun pique económico, disolvió su
orquesta y, en 1966, se fue a trabajar a Las Vegas, Nevada. Luego, volvió a
Puerto Rico y apareció en una serie de televisión que se transmitía en español,
en la que presentó como artistas invitados a talentos del nivel de Shirley
Bassey, Tony Bennett y Sammy Davis Jr., entre otros.
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Rodríguez demostró los primeros signos de enfermedad en 1967 al hacer uno de
sus últimos programas de televisión, y mientras esperaba los resultados de las
pruebas en el Reino Unido, usó a músicos ingleses para grabar la música de su
primer álbum de TR, “Inolvidable/Unforgetable”. Le fue confirmado que
padecía de leucemia, pero insistió en que los resultados fueran mantenidos en
secreto.
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Lo invitaron a grabar con la Fania All Stars, pero debido a su condición
física –La Fania apareció en 1968–, decidió no aceptar. Ese mismo año se
trasladó a Coral Gables, Florida, y conformó su propio sello: TR (o Tito
Records).
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Su segundo álbum, “Palladium Memories”, se vendió bien. Para el tercer
lanzamiento se unió a Louie Ramírez en “Algo nuevo”, y la
presentación de su cuarta y última grabación, “25 Aniversario de Rodríguez”
–que fue lanzado un mes antes de su muerte– se grabó en un club nocturno de
Perú. Este álbum provocó la especulación de que si él lo había grabado como
despedida debido a “Ha llegado la hora”, el tema con que cerró esa
grabación. La última apariencia de Rodríguez en vivo fue junto a Machito y su
banda en el Madison Square Garden, el 2 de febrero de 1973.
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Grabaciones hechas por amigos entrañables, Vitín Avilés entre ellos,
indican que el cantante ocultó muy bien su padecer, ya que se lo oye haciendo
bromas y anunciando que en pocos días estará de nuevo en los escenarios. Pero
la terrible leucemia que lo aquejaba se lo llevó un mes más tarde, el 28 de
febrero de 1973. Su mujer, que lo adoraba, convirtió desde entonces su casa en
museo, y allí es posible ver sus partituras, premios, discos y objetos que le
pertenecieron.
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